Guida alla mostra – Exhibition Guide: Cortina di Stelle

By CRAMUM, Cultura

La mostra di Fulvio Morella e degli atleti Paralimpici per Milano Cortina 2026

Fulvio Morella and Paralympic Athletes for Milano Cortina 2026

-> Guida alla Mostra (mappa e lista opere)

-> Exhibition Guide (ENGLISH)

-> Focus Brailligh Eclissi (IT-EN)

-> Focus I Limiti non esistono / Limits do not exist

-> Leggi il testo critico

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Ahead of the Olympic and Paralympic Games, “Cortina di Stelle” (Curtain of Stars) — the new exhibition by artist Fulvio Morella — opens on January 3rd at Lagazuoi Expo Dolomiti, at an altitude of 2,732 meters. This exhibition represents the final chapter of the project “I limiti non esistono” (Limits Do Not Exist), promoted by CRAMUM and dedicated to the symbolic locations of the Milano Cortina 2026 Winter Games. Part of the official Milano Cortina 2026 Cultural Olympiad program and curated by Sabino Maria Frassà, the exhibition will remain open to the public until April 5, 2026.

Thanks to the living testimony of Paralympic athletes selected in collaboration with FISIP (Italian Paralympic Winter Sports Federation) — including René De Silvestro, Italy’s Paralympic flag-bearer, and Moreno Pesce — the exhibition centers on multisensory works that integrate Braille. This approach transforms tactile language into an artistic experience and a tool capable of breaking down both perceptual and conceptual barriers.

The project is realized in collaboration with the San Marino National Olympic Committee and is held under the patronage of the Italian Paralympic Committee and INJA “Louis Braille.” Following its stages in Val di Fiemme (at the Contemporary Art Museum of Cavalese) and Milan (at Palazzo Lombardia), the project now arrives at Lagazuoi Expo Dolomiti, intertwining art, inclusion, and sport on a journey leading toward 2026. Technical partners: SEC&Partners, Cortina Delicious, Villani 1886.

17 Dicembre 2025

FORMAE in Milan: when form becomes care

By CRAMUM, Cultura

In the heart of Milan, FORMAE brings together four distinct voices—Franco Mazzucchelli, Carla Tolomeo, Fulvio Morella, and Lorenzo Gnata—to test the limits of matter and the responsibilities of form. Realized with Gaggenau, Sotheby’s, and Cramum, and curated by Sabino Maria Frassà, the exhibition draws on chapters opened in Florence, Naples, and Verona, and distills them into a clear, collector-friendly proposition: design is not a frame around art, but a spark that ignites it.

“I’m less interested in declaring what beauty is than in asking what beauty does,” notes curator Sabino Maria Frassà. “FORMAE is a promise, not a verdict. It invites us to recognize form as a responsibility—towards matter, towards time, and towards each other.”

At the center is Gaggenau’s new Expressive and Minimalistic ovens—not as product display, but as intellectual trigger. Their rigorous engineering and restraint become a point of departure for four different ways of making form visible, tangible, and, crucially, shareable.

Opere di Fulvio Morella e Franco Mazzucchelli in mostra

Four artists, four vectors of form

Franco Mazzucchelli—often dubbed the “tailor of the invisible”—works with air as a structural principle. His transparent inflatable volumes soften geometry and turn space into a breathing organism. The effect is architectural and playful at once: you don’t just look; you measure yourself against a volume that expands, contracts, and reorients your path.

“Mazzucchelli proves that lightness can be structural,” says Frassà. “It’s form that doesn’t dominate space; it makes room for the viewer.”

Carla Tolomeo advances a counter-tempo made of patience and thread. Her textile “chair-sculptures”—roses that wait, tartaruga seats that shelter—carry an almost liturgical attention to time. The hand-stitched textures and generous volumes hold memory without nostalgia, offering collectors a rare combination of intimacy and presence.

“Tolomeo’s work teaches that time is a formal value,” Frassà observes. “You can feel what has been preserved so that it can be used—sensitively—today.”

Fulvio Morella translates touch into language. With his Braille Stellato, the Occhio series, and the cycle Raccontami il ritorno, he embroider-maps thoughts by philosophers into constellations of Braille points. Seen from a distance, the stars scatter; up close, they become a legible narrative of memory, proximity, and inclusion.

“Morella reminds us that form can be read as well as seen,” says Frassà. “His disorderly stars reveal universal geometries of thought. Beauty here is not a privilege of sight—it’s a shared code.”

Lorenzo Gnata pushes drawing off the page and into the room. Filament-like lines turn into spatial orientations—arches, vectors, thresholds—that choreograph the gaze and re-stage the distance between self and other. The work is subtle but decisive: a grammar of edges and passages for those who collect with the eye and the body.

“Gnata converts the line into architecture,” Frassà explains. “He doesn’t decorate space; he organizes it, asking our gaze to choose a path.”

From function to ethic

The thread tying these approaches is not style but stance. The show draws on an Aristotelian intuition—matter as potentiality, form as act—and brings it into the present through the ethics of looking.

“Form is not a mask we put on matter,” Frassà says. “It’s the moment when potential becomes accountable. In a time of loud personalisms and easy dogmas, FORMAE asks us not to impose a single image of the world, but to make space for complexity without flattening it.”

This is where the collaboration with Gaggenau matters: the discipline of high-end design—precision, restraint, longevity—meets the open-endedness of art. The Expressive and Minimalistic ovens appear not as protagonists but as catalysts. They formalize heat, time, and control; the artists respond with air, thread, touch, and line. For collectors, the message is clear: true luxury today is attention—to process, to materials, to how an object sits in a life.

“Design here stops being mere function,” Frassà adds. “It becomes a question: how do we care—practically and aesthetically—for what we bring into the world?”

Why it matters for collectors

For a high-level collection, FORMAE suggests criteria that outlast market cycles:

  • Material intelligence: from PVC chambers to hand-stitched textiles, from Braille constellations to spatial filaments, each work turns technique into thought.

  • Temporal depth: these are not instant images; they sediment time—of making, of looking, of living with.

  • Dialogic presence: the pieces don’t end at their edges; they activate rooms and relationships. This is art you can stage in conversation with architecture and design rather than in spite of them.

“A collection is a city of forms,” Frassà concludes. “It needs breathing spaces, places of slowness, points of legibility, and routes of passage. With Mazzucchelli, Tolomeo, Morella, and Gnata, FORMAE offers all four.”

A final note

The exhibition is not about consensus around a single idea of beauty. It’s about rehearsing beauty as a shared practice—one that moves from the hand to the eye to the room, and back again. For collectors, that practice has a concrete outcome: works that keep giving form—to spaces, to habits of attention, and to the ethics of care that a serious collection embodies.

“Beauty is not an ornament,” says Frassà. “It’s a commitment—fulfilled when potential becomes act, and when a private judgment finds its echo in a common voice.”

5 Novembre 2025

L’arte racconta le infinite FORMAE della bellezza

By CRAMUM, Cultura

FORMAE approda a Milano come laboratorio sulla forma viva: Mazzucchelli, Tolomeo, Morella e Gnata mettono alla prova la materia là dove il design — i nuovi forni Expressive e Minimalistic di Gaggenau — cessa di essere pura funzione e si fa domanda etica sulla cura. Realizzata con Gaggenau, Sotheby’s e Cramum, la mostra, racchiusa in un libro d’artista realizzato in XX esemplari, distilla e rielabora i capitoli aperti a Firenze, Napoli e Verona per proporre una mappa coerente, benché plurale, del “gesto formativo”: l’aria che prende corpo, il corpo che diventa arredo, il segno che si fa tatto, il disegno che fende lo spazio. Ne emerge una responsabilità dello sguardo: non limitarsi a consumare forme, ma riconoscere nella forma la promessa — e il dovere — della cura.

Lo raccontiamo attraverso le parole del curatore Sabino Maria Frassà contenuto nel testo critico che accompagna la mostra

Fulvio Morella e Carla Tolomeo in FORMAE

FORMAE. La promessa del bello

Sabino Maria Frassà 

Cos’è bello? Esiste una forma giusta per ogni cosa?

Interrogativi che si stagliano in un mondo in bilico tra personalismi sfrenati e ricerca di approdi sicuri, che spesso degenerano in fanatismi e totalitarismi, dove si tenta di imporre la propria visione del mondo come unica forma legittima. I nuovi forni di Gaggenau diventano qui scintilla e metafora, luogo di incontro e di dialogo, strumento per mettere insieme la ricchezza della complessità senza mai banalizzarla. In questa prospettiva, FORMAE si configura come una promessa del bello: non risposta definitiva, ma ricerca condivisa di senso, atto di fiducia nella possibilità che la forma continui a rivelarsi.

Così questa mostra, sintesi delle quattro precedenti tappe del progetto sviluppatosi nel corso del 2025 in prestigiosi palazzi storici di Firenze, Napoli e Verona, offre piste interpretative, rivelando come il gesto creativo sia al tempo stesso esperienza sensibile e concetto. La forma non appare qui come mera configurazione esteriore, ma come atto che porta a compimento la possibilità della materia — una trasformazione che è pratica, tempo, cura, responsabilità estetica.

Nel dialogo serrato fra le opere si dispiega un repertorio di risposte formali e poetiche. Mazzucchelli, “sarto dell’invisibile”, lavora la leggerezza come principio strutturale: i suoi gonfiabili trasparenti, da cui si sprigionano forme geometriche, dissolvono la rigidità aritmetica del volume, rendendo lo spazio un organismo dinamico. Tolomeo fa della tessitura un rito della pazienza: la rosa che attende, la sedia-tartaruga sono esercizi di lentezza, in cui il tempo stesso si incarna come valore formale che trattiene ciò che è stato perché lo si possa impiegare nell’oggi. Morella converte il tocco in linguaggio: il Braille Stellato, l’Occhio, il ciclo Raccontami il ritorno trasformano superficie e punto in narrazione, restituendo all’arte la funzione di memoria e la possibilità della prossimità: le sue stelle disordinate svelano forme geometriche e di pensiero universali. Gnata reinventa infine il disegno proiettandolo nello spazio e integrandolo con il contesto.

Opere di Fulvio Morella e Franco Mazzucchelli in mostra

L’ordito teorico che sorregge la mostra affonda le sue radici nell’eco aristotelica: «ἡ μὲν ὕλη δύναμις, τὸ δὲ εἶδος ἐνέργεια» (Metafisica, IX, 8, 1049b) — la materia è potenza, la forma è atto. Questa massima, lungi dall’essere una citazione erudita, diventa lente ermeneutica: ogni opera rende percepibile il passaggio dalla possibilità al compimento, il modo in cui la materia, attraverso il gesto, si trasforma in identità sensibile. La téchne non è semplice abilità esecutiva, ma conoscenza incarnata che svela e muta; la forma, esito di un movimento teleologico, appare come compimento di ciò che in potenza era già inscritto nella materia. Tale dinamica, tradotta tanto in opere d’arte quanto in elementi di design, prende corpo nelle soluzioni tecniche specifiche dei singoli artisti: Fulvio Morella, che ricostruisce forme archetipiche — cerchi, occhi, triangoli — attraverso una costellazione di stelle ricamate che, in realtà, sono punti Braille, trasposizioni tattili di riflessioni di grandi pensatori; Carla Tolomeo, che plasma “sedute-scultura” tessili, volumetrie imbottite e trame caparbiamente intrecciate a mano, capaci di racchiudere e custodire memorie; Franco Mazzucchelli, che organizza PVC, saldature e camere d’aria in sistemi respiranti, superfici comunicanti che trasformano l’oggetto in processo, facendo dell’arte uno strumento di empatia e relazione; Lorenzo Gnata, che, attraverso un filamento organico, analizza il rapporto tra noi e gli altri, convertendo la linea in architettura e orientamento dello sguardo.

Accanto a questo orizzonte ontologico, le opere proposte aprono la questione estetica: quale rapporto tra soggettività e universalità nel giudizio del bello? La lezione kantiana, nella Critica del Giudizio (1790), rammenta che il giudizio estetico nasce nella sensibilità di chi sente, ma reclama una comunanza, un sensus communis, che lo rende esigente di riconoscimento. FORMAE diventa così il luogo in cui questa dinamica si esercita: le superfici tattili di Morella, le trasparenze di Mazzucchelli, le trame lente di Tolomeo, le invasioni spaziali di Gnata sollecitano risposte intime — stupore, commozione, dubbio — ma al contempo offrono strutture e figure condivisibili, terreno di discussione e dialogo.

L’universo evocato dagli artisti in mostra si nutre di culture profonde e intreccia rimandi ai grandi maestri che diventano autentiche coordinate interpretative. Michelangelo, con l’idea che «ogni blocco di pietra ha una statua dentro di sé ed è compito dello scultore scoprirla» (Vasari), illumina la pratica rivelatrice di Tolomeo e la spinta formativa che attraversa anche le superfici di Mazzucchelli: non mera esecuzione, ma atto di svelamento. In Morella risuona Paul Klee — «l’arte non riproduce il visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è» — e con lui la tensione simbolica che Jungindividua nell’opera come soglia tra conscio e inconscio; così il Braille Stellato diventa alfabeto di senso e veicolo di memoria. Gnata, con la lezione di Kandinsky in Punkt und Linie zu Fläche, affida a punto, linea e superficie la funzione di orientare lo sguardo e di costruire significato. E ancora, Baudelaire e Saint-Exupéry richiamano la dimensione della memoria e dell’invisibile — «Agli occhi del ricordo, quanto è piccolo il mondo!»; «l’essenziale è invisibile agli occhi» — note che dilatano la lettura, trasformando la tradizione in corda vibrante su cui accordare le pratiche contemporanee.

Nei punti di contatto tra mito e modernità — dall’eco omerica nel ciclo di Morella, alle risonanze rinascimentali delle trame di Tolomeo, fino alla tensione moderna della Cubosfera di Mazzucchelli — FORMAE costruisce una polis di significati, dove la forma non è mai definitiva ma in divenire. Alla fine, FORMAE mantiene la propria promessa del bello: non esibizione di virtuosismi, né teoresi chiusa, ma pratica di ascolto. La mostra sprona lo sguardo a riconoscere nella materia non un ostacolo, ma un interlocutore, e invita il pubblico a partecipare, attraverso senso, memoria e parola, alla costituzione della forma. La bellezza appare allora non come ornamento, ma come responsabilità: promessa che si compie quando la potenza diventa atto, quando il giudizio individuale trova la sua eco nella voce comune e nell’esperienza del genio umano in ogni sua forma.

5 Novembre 2025

Four Artists tell the Secret Life of Leaves

By CRAMUM, Cultura

Text by Sabino Maria Frassà

Autumn is the season of leaves, when nature sheds its skin but does not fall silent — echoing Ungaretti’s verses, speaking of something that fades yet still has much to say.
There comes a moment when the leaf ceases to be mere vegetal matter and becomes a language: a fragment of the world reflecting our own fragility.

Throughout art history, the leaf has been a recurring subject — from the impressionist reflections of Monet to the symbolic transparencies of Magritte, to the sculptural force of Penone and the ephemeral architectures of Andy Goldsworthy, whose land art is woven from wind, decay, and rebirth.

If the 19th and 20th centuries celebrated the leaf as a poetic sign, today it is fascinating to discover how new generations of artists reinterpret it, moving between technology, spirituality, and material experimentation.
This reflection took shape on social media through Cramum’s new “Leaf Gallery”, a digital curatorial project featuring four contemporary artists — Yusuke Asai, Lito, Miya Ando, and Gaetano Frigo — each transforming the leaf into a living body of light, memory, and energy.

See the IG gallery -> https://www.instagram.com/cramum/

A Green Thread in Common

Different in language and culture, Asai, Lito, Ando, and Frigo share the same intuition: the leaf is no longer a mere natural symbol but an interface between humanity and the world, a tool for knowledge and healing.
In their hands, it becomes painting, sculpture, light, and frequency — a universal code that bridges East and West, tradition and contemporaneity.

The Leaf Gallery is therefore more than a curatorial series: it is an invitation to slow down the gaze, to listen to the breathing matter that surrounds us, and to rediscover — like the falling leaf that never truly dies — the regenerative power of art and nature.

Yusuke Asai – Nature Drawing Itself

Japanese artist Yusuke Asai ideally opens this expanded gallery with works created using leaves, earth, branches, and straw collected on-site.
In his murals, humans, animals, and plants emerge directly from matter, as if nature itself were self-portraying.
His research, close to artistic biotechnology, observes organic transformations — humidity, light, and decay — as integral parts of the creative process.
In Asai’s vision, autumn is no longer a season but a living organism that breathes art.

Lito – The Patience of Breath

Known as Lito Leafart, the Japanese artist born in 1986 in Kanagawa Prefecture turns real leaves into delicate sculptures of light and silence.
Self-taught, he began in 2020 as a meditative exercise, channeling his experience with ADHD into a practice of patience and focus.
Each leaf becomes a suspended microcosm, an intricate balance of breath and emptiness: not a representation of nature, but nature telling its own story through human calm and precision.

Miya Ando – The Breath of Light

American artist Miya Ando, born in 1973 to Japanese and American parents and holding a degree in East Asian Studies from UC Berkeley, lives between New York and Los Angeles.
In her installations, real Bodhi leaves (Ficus religiosa) are stripped of their cellulose, dyed, and suspended on monofilament threads, floating like particles of time and prayer.
For Ando, the leaf is the visible body of impermanence — a symbol of awakening and contemplation, a prayer transformed into light.
Her poetic vision unites East and West, matter and meditation, spirituality and the science of light.

Gaetano Frigo – The Leaf as Natural Technology

The fourth artist of the Leaf Gallery and a finalist of the Cramum Prize, Gaetano Frigo explores the biophilic powerof nature through visual perception.
His works, created by removing pigment with bleach on canvas, seem to lighten both the surface and the viewer, radiating a restorative and balancing light.
Golden ratios and natural geometries turn his paintings into a true “natural technology”, capable of generating harmony and wellbeing.

“The sight of a leaf — like that of an animal or a mountain — activates a biophilic effect in our brain: it reconnects us to where we come from, relaxes the mind, and restores the spirit.”
— Gaetano Frigo

22 Ottobre 2025

Esploratori 7.0 – A Budapest la collettiva che ridefinisce il confine

By CRAMUM, Cultura

Dopo l’esperienza espositiva romana OLTRE ROMA con Cramum , l’artista ungherese Beata Székely torna protagonista a Budapest con la collettiva Felfedezők 7.0 – Határpróbák (“Esploratori 7.0 – Prove di confine”), evento conclusivo del Budapest Art Mentor Program 2024/25, in apertura il 21 ottobre 2025 presso The Space, sede del programma nella capitale ungherese.
The Space è uno spazio espositivo e centro di formazione dedicato ai giovani artisti visivi, nato per collegare la ricerca artistica alla dimensione professionale dell’arte contemporanea.

Curata da Nikolett Arabadzsov e Zsófia Máté, la mostra sarà visitabile fino al 21 novembre 2025, accompagnata da incontri, visite guidate e workshop.

Nido con catena dorata, 2025, olio su tela, 20 × 15 cm

Riunendo quattordici artisti emergenti, il progetto esplora il tema del confine come esperienza umana e tensione creativa. Nei lavori di Bea Székely, la riflessione sul limite diventa una ricerca poetica fatta di memoria, corpo e luce, in cui il confine non è barriera ma spazio di relazione e metamorfosi.

Accanto a Székely espongono – tra gli altri – Júlia Csapó, Györgyi Cséffai, Edit Cservenka, Melinda Dovák, Éva Jámbor, Attila Máté, Eszter Palik, Anita Papp, Viktória Pál, Mária Schuller, Viktória Szabolcsi, Gabriella Szalkaie Krisztina Vladár.

“Prove di confine” propone un dialogo tra generazioni e linguaggi diversi, ispirato alle riflessioni di Foucault, Bataille, Derrida, Blanchot e Kristeva, per i quali il limite non chiude ma apre passaggi, soglie e nuove possibilità.

Un ritorno significativo per Bea Székely, che prosegue la sua indagine sulla relazione tra luce e presenza, riaffermando il dialogo fra le nuove generazioni dell’arte ungherese e il panorama europeo contemporaneo.

Sabino Maria Frassà

20 Ottobre 2025

LUDI: Two Masters, One Game. The dialogue between Fulvio Morella and Franco Mazzucchelli

By CRAMUM, Cultura

We are pleased to present the curator’s full text exclusively. Until 16 October 2025, Palazzo Lombardia hosts LUDI – Art as an Embrace, the new exhibition project by Fulvio Morella and Franco Mazzucchelli, curated by Sabino Maria Frassà.
Promoted by Cramum and Regione Lombardia within the Cultural Olympiad of Milano–Cortina 2026, and held under the High Patronage of the European Parliament, the show unfolds in the heart of Milan (Monday–Friday 10:00–19:00, free admission). The exhibition presents an unprecedented dialogue between two major figures of Italian contemporary art, transforming play into an aesthetic and inclusive experience.

Critical Text “LUDI: Two Masters, One Game”

Sabino Maria Frassà – critical essay for “LUDI – Art as an Embrace”

Forty years after the historic collaboration between Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat, two protagonists of today’s Italian art scene, Franco Mazzucchelli and Fulvio Morella, bring to Palazzo Lombardia LUDI – Art as an Embrace: a project born from deep personal friendship and a shared vision of art as a vehicle for relation, knowledge and exchange. LUDI forms part of the cycle “I limiti non esistono” (“Limits Do Not Exist”), dedicated to inclusion, resilience and the overcoming of barriers on the road to the Milano–Cortina 2026 Olympic and Paralympic Games.

More than a two-person show, LUDI is a unified project built around the concept of ludus—the Latin term for both “play” and “school.” Reviving the ancient idea, dear to Plato and the Romans, that play can be not only diversion but also formation, Mazzucchelli and Morella propose an art that joyfully involves, educates and creates cohesion. In this sense they echo Plato’s Laws (“If we learn while playing, the lesson takes root more deeply”) and Maria Montessori’s insight that “play is the work of the child.”

What gives LUDI its force is its inter-generational scope: it addresses not only children but also adults, seeking to awaken the playful dimension often repressed in grown life and to recognise play as a motor of creativity, freedom and connection. The project resonates with Johan Huizinga’s warning in Homo Ludens (1938) that the loss of free play risks cultural impoverishment; art, he wrote, “was born in play and is still a play.”

LUDI thus embodies a shared vision: art as formative, regenerative and participatory experience, capable of forging deep connections and releasing dormant creative energies. Like Warhol and Basquiat with their Olympic Rings (1985), Morella and Mazzucchelli start from a common symbol—but instead of deconstructing a logo, they give shape to the authentic values of the Olympics and the ludi, celebrating inclusion, joy, collaboration and the surpassing of limits.

Their “joint” art invites the public to step into the ludus itself and become active players in the artistic game. Through inflatable and wooden sculptures, tactile surfaces and open forms, the two artists build a participatory environment where the viewer is not a passive observer but the protagonist of creative play. The works are not merely in dialogue: they are conceived together, the outcome of a two-year collaborative process in which each offers technical mastery without competition, turning friendship into a creative force.

Mazzucchelli, pioneer of inflatable and social art since the 1960s, uses light, mobile PVC structures to transform space and stimulate bodily participation, heirs to his historic Abbandoni. Morella, master of wood-turning and Braille surfaces, brings tactile, multisensory pieces that cross the boundaries between art and design and centre on touch, exploration and sensory inclusion. For both, interaction is foundational: a work exists fully only when lived, touched, inhabited and shared.

Together they shape primary forms and living surfaces, producing works to be explored with body, eyes, hands and heart. LUDI – Art as an Embrace becomes a rare, innovative project where personal friendship turns into a creative gesture and art itself becomes the place where individual excellence and openness to the other coexist and amplify one another—a hymn to collaboration, joy and the beauty of encounter.

20 Settembre 2025

LUDI: due maestri, un solo gioco. Il dialogo tra Fulvio Morella e Franco Mazzucchelli.

By CRAMUM, Cultura

Fino al 16 ottobre 2025 Palazzo Lombardia ospita “LUDI – L’ARTE È UN ABBRACCIO”, il nuovo progetto espositivo di Fulvio Morella e Franco Mazzucchelli a cura di Sabino Maria Frassà, di cui vi riproponiamo il testo critico integrale.
Promossa da Cramum e Regione Lombardia nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, la mostra si sviluppa nello Spazio N3 di Palazzo Lombardia, nel cuore di Milano.
Sotto l’Alto Patrocinio del Parlamento Europeo, l’esposizione propone un dialogo inedito tra due protagonisti dell’arte contemporanea italiana, trasformando il gioco in esperienza estetica e inclusiva.

PALAZZO LOMBARDIA – SPAZIO N3, MILANO – Piazza Città di Lombardia, 1, 20124 Milano MI

Mostra: 18 settembre – 16 ottobre 2025
Orari: lunedì – venerdì, 10:00 – 19:00 Ingresso gratuito

LUDI: due maestri, un solo gioco.

Sabino Maria Frassà – testo critico Mostra LUDI – l’arte è un abbraccio” di Fulvio Morella e Franco Mazzucchelli

A quarant’anni dalla storica collaborazione tra Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat, due protagonisti della scena artistica contemporanea italiana, Franco Mazzucchelli e Fulvio Morella danno vita, a Palazzo Lombardia di Milano, a LUDI – L’ARTE È UN ABBRACCIO, un progetto artistico inedito, nato da una profonda amicizia personale e da una comune visione dell’arte come strumento di relazione, conoscenza e condivisione. LUDI si inserisce all’interno del ciclo “I limiti non esistono”, dedicato a celebrare, attraverso l’arte, i temi dell’inclusione, della resilienza e del superamento delle barriere, in vista e in occasione delle Olimpiadi e Paralimpiadi invernali di Milano-Cortina 2026.

LUDI non è una semplice mostra di due artisti, ma un progetto organico e unitario, sviluppato intorno al concetto di ludus: la parola latina che indica tanto il gioco quanto la scuola. Riprendendo l’antica idea – già cara a Platone e ai Romani – che il gioco possa essere non solo svago ma anche formazione, Mazzucchelli e Morella propongono un’arte che con gioia coinvolge, educa e crea coesione. Come affermava Platone ne Le Leggi: “Non bisogna mai educare i giovani senza il gioco. Se si impara giocando, la lezione si imprime più a fondo” (Le Leggi, VII, 803c). E come ribadiva Maria Montessori: “Il gioco è il lavoro del bambino” (La scoperta del bambino, 1907).

Ma la forza di LUDI e della ricerca da cui è scaturita è l’essere intragenerazionale, rivolgendosi anche a chi bambino, anagraficamente, non lo è più. Attraverso l’arte, Mazzucchelli e Morella vogliono risvegliare quella dimensione ludica spesso repressa nella vita adulta, riconoscendo il gioco come motore di creatività, libertà e connessione. In questa intenzione risuona l’eco di Johan Huizinga, pedagogo, filosofo e storico della cultura olandese, che nel 1938, alla vigilia della Seconda guerra mondiale, denunciava come la perdita del gioco libero rischiasse di portare al degrado della cultura e all’impoverimento della vita umana. Scriveva infatti: “Il gioco è più antico della cultura, poiché la cultura, pur presupponendo sempre la società umana, non presuppone il gioco, mentre il gioco è presente ovunque vi sia vita. Anche l’arte è nata nel gioco ed è ancora un gioco” (Homo Ludens, 1938, cap. I).

LUDI nasce dunque da questa visione condivisa: l’arte come esperienza formativa, rigenerante e partecipativa, capace di creare connessioni profonde e di liberare energie creative spesso sopite.

Il progetto trova numerose assonanze con la celebre collaborazione tra Warhol e Basquiat, in particolare con l’opera Olympic Rings (1985), realizzata per celebrare le Olimpiadi di Los Angeles 1984: un evento carico di valori universali come inclusione, fratellanza tra i popoli, eccellenza e rispetto. Come allora Warhol e Basquiat partivano da un simbolo condiviso per intrecciare i loro linguaggi, così Mazzucchelli e Morella scelgono l’ovale come punto di partenza comune. Tuttavia, se Warhol e Basquiat lavoravano su un logo – decostruendolo e sovvertendolo – Mazzucchelli e Morella vanno oltre: non reinterpretano un segno grafico, ma danno forma ai valori autentici delle Olimpiadi e dei Ludi, celebrando inclusione, gioia, collaborazione e superamento dei limiti.

L’arte “congiunta” di Mazzucchelli e Morella non si limita a rappresentare: invita il pubblico a entrare nel ludus stesso, a diventare parte attiva del gioco artistico. Attraverso sculture gonfiabili o lignee, superfici tattili e forme aperte all’interazione, i due artisti costruiscono uno spazio partecipativo, in cui lo spettatore non è osservatore passivo, ma protagonista del gioco creativo.

Le opere di LUDI non sono semplicemente in dialogo tra loro: sono concepite insieme, nate da un reale processo di collaborazione creativa, durato due anni. Mazzucchelli, maestro dei gonfiabili in PVC, e Morella, noto per l’uso del legno tornito e del Braille, mettono a disposizione del progetto le rispettive eccellenze tecniche, senza competere, ma riconoscendo e valorizzando reciprocamente il talento dell’altro. L’amicizia nella cultura e nell’arte, spesso sottotraccia, emerge qui come una forza potente che permea l’intero progetto, rendendo ogni opera un gesto di fiducia e sostegno reciproco.

Mazzucchelli, pioniere dell’arte ambientale e sociale fin dagli anni Sessanta, utilizza il PVC gonfiabile per creare strutture leggere e mobili, capaci di trasformare lo spazio e stimolare la partecipazione fisica del pubblico. Le sue installazioni, eredi degli storici Abbandoni, sono pensate per riattivare lo stupore e il coinvolgimento diretto. Morella, maestro nella lavorazione del legno, porta nella mostra la sua straordinaria perizia nella tornitura manuale e nell’uso del Braille, trasformando la materia in superficie accessibile e multisensoriale. La sua ricerca oltrepassa i confini tra arte e design, ponendo al centro il tatto, l’esplorazione e l’inclusione sensoriale.

Per entrambi, l’interazione con il pubblico non è un accessorio, ma un principio fondativo: l’opera esiste pienamente solo quando viene vissuta, toccata, abitata, condivisa. È da questa interazione che un oggetto fisico trova la forza per diventare opera. La partecipazione attiva dello spettatore, il coinvolgimento fisico ed emotivo, la stimolazione simultanea di più sensi – vista, tatto, movimento – sono quindi elementi centrali e consapevoli del loro percorso artistico.

Insieme, Mazzucchelli e Morella modellano forme primarie e superfici vive, costruendo opere che non si contemplano soltanto, ma si esplorano: da toccare, attraversare, interpretare con corpo, occhi, mani e cuore. LUDI – L’ARTE È UN ABBRACCIO è così un progetto raro e innovativo, in cui l’amicizia personale si fa gesto creativo, e l’arte diventa il luogo in cui eccellenza individuale e apertura all’altro convivono e si esaltano reciprocamente, senza mai sovrapporsi, senza mai sopraffare.

Un inno alla collaborazione, alla gioia, alla bellezza dell’incontro.

20 Settembre 2025

ArtAgenda – Franco Mazzucchelli e Fulvio Morella con Ludi a Palazzo Lombardia

By CRAMUM, Cultura, Eventi

A quarant’anni dalla storica collaborazione tra Warhol e Basquiat, due maestri dell’arte contemporanea italiana – Franco Mazzucchelli e Fulvio Morella – si incontrano in un dialogo inedito a cura di Sabino Maria Frassà, che celebra il gioco come esperienza estetica, culturale e sociale.

Il risultato è LUDI – L’ARTE È UN ABBRACCIO, la mostra a Palazzo Lombardia per i Giochi Olimpici e Paralimpici di Milano Cortina 2026.

Tutto nasce dall’inedito disegno Ludi di Fulvio Morella, reinterpretato da ciascun artista secondo il proprio linguaggio e i propri materiali – Morella con il legno e il braille, Mazzucchelli con i suoi celebri gonfiabili – in un costante dialogo concettuale e formale che indaga il ruolo del gioco e del fare squadra, trasformandolo in gesto artistico inclusivo e partecipativo.

Fulvio Morella ha voluto condividere con Franco Mazzucchelli questa mostra, seconda tappa della sua rassegna LIMITI NON ESISTONO, il progetto artistico e culturale che, attraverso l’arte multisensoriale, tocca i luoghi simbolo delle prossime Paralimpiadi Invernali – Milano, Cortina e Val di Fiemme – per promuovere inclusione, accessibilità e partecipazione. LUDI trasforma così la loro storica amicizia in espressione creativa: l’arte diventa il luogo in cui eccellenza individuale e apertura all’altro non solo convivono, ma si valorizzano reciprocamente, senza mai sovrapporsi né prevalere. Un autentico inno alla coesione, alla gioia e alla bellezza dell’incontro.

La mostra è promossa da Cramum e Regione Lombardia, con il patrocinio del Comitato Italiano Paralimpico (CIP) e dell’INJA Louis Braille di Parigi, e si inserisce nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026.

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LUDI – L’ARTE È UN ABBRACCIO
FULVIO MORELLA & FRANCO MAZZUCCHELLI

A cura di Sabino Maria Frassà

PALAZZO LOMBARDIA – SPAZIO N3, MILANO – Piazza Città di Lombardia, 1, 20124 Milano MI

Promosso da Cramum e Regione Lombardia nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026.

Inaugurazione sotto l’alto patrocinio del Parlamento Europeo

Inaugurazione libera: mercoledì 17 settembre 2025, ore 18:30
Mostra: 18 settembre – 16 ottobre 2025
Orari: lunedì – venerdì, 10:00 – 19:00
Ingresso gratuito

Fulvio Morella (sinistra) e Franco Mazzucchelli – lavorazione LUDI

1 Settembre 2025

ArtAgenda, Performance Blind Trust di Fulvio Morella & Friends a Cavalese

By CRAMUM, Eventi

Sabato 19 luglio dalle ore ore 16:00 è possibile prendere parte alla Performance corale Blind Trust dell’artista Fulvio Morella che coinvolge le opere di altri tre artisti (Sergio Camin, Franco Mazzucchelli e Marco Nones) presso il Giardino della Magnifica Comunità di Cavalese (Val di Fiemme, Trentino).

Blind Trust è una performance corale, immersiva e multisensoriale di Fulvio Morella, a cura di Elsa Barbieri e Sabino Maria Frassà, promossa dal Museo d’Arte Contemporanea di Cavalese e Cramum, con il sostegno del Comune di Cavalese: 100 persone saranno bendate con una fascia su cui è ricamata la parola Trust in braille stellato, e guidate alla scoperta di quattro opere attraverso l’uso di sensi alternativi alla vista. Oltre a un’opera in legno realizzata dallo stesso Morella, saranno presentate opere di tre artisti da lui selezionati per la loro capacità di coinvolgere attivamente il pubblico: Sergio Camin, Franco Mazzucchelli e Marco Nones.

Blind Trust Morella performance Cavalese

L’iniziativa fa parte del progetto artistico e culturale “I limiti non esistono“, promosso da Cramum in collaborazione con il Museo d’Arte Contemporanea di Cavalese, Regione Lombardia e Lagazuoi Expo Dolomiti, con il patrocinio del Comitato Italiano Paralimpico e di INJA Louis Braille. Il progetto mira a costruire un dialogo profondo tra arte, inclusione e attività sportiva, con mostre ed eventi culturali che coinvolgono i luoghi simbolo delle Paralimpiadi Invernali di Milano Cortina 2026 — Milano, Val di Fiemme e Cortina. L’iniziativa si inserisce nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, il programma multidisciplinare, diffuso e partecipato che attraverserà l’Italia promuovendo i valori olimpici attraverso cultura, patrimonio e sport.

È possibile partecipare con prenotazione obbligatoria scrivendo una mail museo@comunecavalese.it indicando il numero di partecipanti e i nominativi. 

Per altre informazioni infocramum@gmail.com

 

Una performance di Fulvio Morella – immagine d’archivio. ©Francesca Piovesan, Courtesy Cramum, Gaggenau e l’artista.

 

8 Luglio 2025

Lorenzo Guzzini vince l’XI Premio Cramum – “Il tempo della Terra”

By CRAMUM, Cultura

La campana-campanile di Lorenzo Guzzini si aggiudica l’XI Premio Cramum “Il tempo della Terra”. Menzioni speciali a Livia Paola Di Chiara e Marco Paghera.

L’opera Tempo lineare e tempo ciclico di Lorenzo Guzzini vince il Premio Cramum 2025. Il campanile contemporaneo alto 5 metri sarà installato nel parco della Cantina Terre Margaritelli in Umbria. Il progetto riflette sul tempo come ciclo naturale e spirituale.

“L’opera di Guzzini – una campana che si fa campanile – si inserisce con sobria autorevolezza nel paesaggio, diventando riferimento visivo e sonoro. Il rintocco quotidiano a mezzogiorno evoca una geografia dell’esistenza, richiamando l’equilibrio tra lavoro e contemplazione, tra materia e spirito”. La Giuria dell’XI Premio Cramum

“In quest’opera, il tempo non è rappresentato in modo astratto, ma restituito come esperienza concreta e quotidiana… Come scriveva John Donne: «Non chiedere mai per chi suona la campana: essa suona per te.» Il rintocco non è perciò un suono nostalgico, ma un invito a fermarsi, riflettere, ricordare chi siamo. Evoca il ritmo dell’ora et labora, e ci riconnette a un tempo più umano e naturale». Sabino Maria Frassà, Direttore dell’XI Premio Cramum

Cubo simbolo del Premio Cramum

 

Comunicato Ufficiale Cramum & Listone Giordano

Milano, 26 giugno 2025 – L’Arena Listone Giordano di Milano ha fatto da cornice alla cerimonia di premiazione dell’XI edizione del Premio Cramum, intitolata Il Tempo della Terra e realizzata in collaborazione con Listone Giordano e Terre Margaritelli. A vincere è stato Lorenzo Guzzini, architetto e artista nato a Recanati nel 1983, con il progetto Tempo lineare e tempo ciclico, selezionata tra dieci finalisti provenienti da diversi ambiti della creatività contemporanea (architetti, artisti, designer, scenografi). Guzzini è stato scelto per aver interpretato con coerenza e forza poetica Il Tempo della Terra attraverso una campana–campanile contemporaneo alto cinque metri, concepito come scultura site-specific, che sarà installata in modo permanente nel parco della Cantina Terre Margaritelli, in Umbria.

Guzzini ha ricevuto anche l’iconico cubo “cramum”, simbolo del premio sin dalla sua istituzione nel 2012: disegnato dall’architetto Antonio Frassà, è stato realizzato per questa edizione dall’artigiano Mario Rossi in pregiata essenza di Ciliegio Europeo.

XI Premio CRAMUM Listone Giordano – Vincitore con Frasssà e Margaritelli

 

Finalisti 

I finalisti, preselezionati dal Direttore del Premio Sabino Maria Frassà e dal Presidente della Giuria Andrea Margaritelli, erano:

Luca Antonio Bonifacio, BohoB (Marialaura Calogero, Matteo Pennisi, Graziano Testa), Margherita Burcini, Livia Paola Di Chiara, Lorenzo Guzzini, Marco Nones, Marco Paghera, Andrea Papi, Giulio Rosi, Alfredo Vanotti (in collaborazione con Fabio Sciuchetti).

 

Menzioni speciali 

La giuria, considerato l’alto livello dei finalisti e l’elevato numero di candidature pervenute, ha deciso di conferire due menzioni speciali per la forte potenza espressiva delle opere a: Livia Paola Di Chiara e Marco Paghera.

 

Motivazione della giuria 

“L’opera Tempo lineare e tempo ciclico di Lorenzo Guzzini interpreta con sensibilità e potenza visiva il tema dell’edizione, affrontando il tempo come doppia dimensione: lineare per l’essere umano, ciclica per la natura. L’opera – una campana che si fa campanile – si inserisce con sobria autorevolezza nel paesaggio, diventando riferimento visivo e sonoro. Il rintocco quotidiano a mezzogiorno evoca una geografia dell’esistenza, richiamando l’equilibrio tra lavoro e contemplazione, tra materia e spirito. Pensata per maturare con il luogo, l’opera rappresenta pienamente la maturità artistica: sintesi di esperienza, consapevolezza e capacità generativa. Un’arte resistente all’effimero, radicata nel tempo, nella terra e nella comunità.”

Firmato dai membri della Giuria: Sabino Maria Frassà (Direttore dell’XI Premio Cramum), Andrea Margaritelli (Presidente della Giuria), Tiziana D’Acchille, Franco Mazzucchelli, Fulvio Morella, Marco Tortoioli Ricci, Carla Tolomeo, Luca Zevi.

 

L’opera premiata raccontata dal Direttore del Premio, Sabino Maria Frassà 

“Con Tempo lineare e tempo ciclico, Lorenzo Guzzini continua la sua ricerca sul rapporto tra forma essenziale, materia e percezione, dove architettura e arte si fondono in un unico linguaggio. In quest’opera, il tempo non è rappresentato in modo astratto, ma restituito come esperienza concreta e quotidiana. Se per l’essere umano il tempo è percepito come lineare, la terra – come mostra Guzzini – lo vive secondo un ritmo ciclico, segnato dal ritorno delle stagioni e dei gesti che nutrono e rigenerano. L’opera, sintesi di campana e campanile, si staglia nel paesaggio umbro come una presenza silenziosa ma costante: verticale, essenziale, ascoltante. Il suo rintocco quotidiano a mezzogiorno diventa rito, orientamento, memoria condivisa. Come scriveva John Donne: «Non chiedere mai per chi suona la campana: essa suona per te.» Non è un suono nostalgico, ma un invito a fermarsi, riflettere, ricordare chi siamo. Evoca il ritmo dell’ora et labora, e ci riconnette a un tempo più umano e naturale. In quel rintocco risuona anche l’eco di Giacomo Leopardi: «La campana suonava a giorno. L’eco tornava come un cuculo nella valle.» La materia stessa dell’opera, viva e segnata dal tempo – passato e futuro – si confronta con la sua forma pura, in tensione tra fatica e spiritualità»

 

Commento del Presidente della Giuria, Andrea Margaritelli 

Siamo orgogliosi dell’ampia partecipazione e della selezione di dieci finalisti, diversi per età ma uniti da una visione del mondo profonda e non convenzionale. Come la terra che ci ispira, anche l’arte – così come l’architettura e il design – deve saper accogliere il cambiamento, non temerlo. L’opera vincitrice di Lorenzo Guzzini incarna questo principio con forza e misura. Solo ciò che cresce lentamente, sedimenta senso e identità, può rivelare nel tempo la propria autenticità e il proprio valore più duraturo.”

 

Biografia del vincitore – Lorenzo Guzzini 

Lorenzo Guzzini (Recanati, 1983) è architetto e artista. La sua pratica unisce arte e architettura in una ricerca sulla materia e sulle geometrie elementari, che trovano significato negli elementi e nelle idee che le generano. Nessun ambito prescinde dall’altro: tutto si tiene nella costante attenzione alla percezione umana nello spazio e nel tempo. Laureato in Architettura presso l’AAM in Svizzera, ha lavorato in Inghilterra, Irlanda e Portogallo. Dal 2010 dirige il proprio studio-atelier tra Milano e Como, occupandosi di installazioni artistiche, progetti residenziali e concorsi internazionali. Nel 2025 ha ottenuto la cattedra di Architettura degli Interni presso la Scuola Politecnica di Design di Milano, dove tiene il corso Perceiving the Space.

27 Giugno 2025